我国对于新一代的中国设计师寄托了很大的期望，新一代应该不同于中国以往的服装设计师，他们应该有自己的设计语言和更清晰的思路，而且，有自己的读者群。

在和他们的交谈中，你很容易听到侯赛因·查拉扬或者马丁·马吉拉这些设计师的名字，由于资讯传播的便捷，这些在欧洲的小众设计师已经成为新的icon，成为设计师们口耳相传的名字，做一个像夏奈儿或者圣洛朗这样声名赫然的名牌，很多时候，并不是年轻一代设计师们的理想。拥有自己的工作室，控制产量，建立自己的小型专卖店，为朋友们设计服装，像山本耀司或者川久保玲那样，让服装成为更接近艺术的设计语言，似乎对年轻一代更具吸引力。

706工厂的宽阔空间被巨大的防护网铺满，大量工地里用的塑料薄膜将空间做了简单的分隔，现代舞团的年轻演员取代了时装表演中的模特，他们的舞蹈也是当晚的主角之一。

张达的服装首先出场，他用了我们小时候所穿的红、蓝羽绒服的面料，演员们在舞蹈时，身上的彩色塑料配饰“哗哗”作响。张达一直说这个系列做的时间很短，觉得不够理想，当然，展出依然要进行，几百双眼睛不会了解设计师准备时间有多少。高欣的设计用了大量军装的元素，可穿性比较强，尤其是外套和夹克，但整体而言，设计手法并非特别新鲜。吉吉是第一次做时装设计的展示，衣服更像是用在某场戏剧演出中，演员的舞蹈也非常夸张，经常用翻滚的动作表现宽大的裙子。王一扬的衣服被现代舞团赋予了新的演绎，两个青年男女在《南屏晚钟》的歌声中，绕着一辆自行车谈起了恋爱，现场有人鼓掌也有人轻笑，“这么具像”，我听见有人说。整场时装秀更像是一场现代舞表演。你很难说，眼前的服装有足够多让你惊喜的系列，但每个人的作品中，还是能找到部分有趣的设计，尤其是王一扬的茶缸系列，设计思路更为清晰，想法实现的程度也最高，他的美学体系是一直持续的，当然，我对于在那些大棉袍外面的塑胶圆点有保留意见，即使是独立设计，这样似乎也走得太远了，如果是要设计舞台服装，倒可以另当别论。

中国的设计到底能走到什么程度？作为一名生长在中国的，有个人理想的设计师，你的设计想法是否清晰？你是否建立了自己的设计美学？你的工艺是否精湛？你的材料是否能足够表达你的想法？你的市场推广是否为你找到了即使为数不多但足够准确的读者群？

最重要的是，你是否有足够的热情尊重自己的创作？与纯粹的艺术作品不同，你是否还有足够的耐心去与不同的领域进行沟通，让你的服装被应该接受的人看到或者了解？

我们接触到了过度丰富的时装和时尚资讯，不同范畴的icon正在全球释放着他们的影响，在中国也不例外。上海新乐路、长乐路或者复兴路上，不少年轻人开始建立自产自销的服装店，但很多时候，我看到的是川久保玲作品的简化版，那些黑色、白色或者军绿色的服装，有过多的为设计而设计的技巧表演，而在时装的细节上却显得简单、粗略，时装的式样并不难效仿，但Comme des Garcons那种严肃和幽默感同时具备的气质，却是正在起步的中国年轻设计师难以模仿的。很多时候，你对待一件事情的态度，会通过事情的结果完全呈现出来，如果你是随意粗放的，那么你的设计显然也不可能充满让人回味的细节和整体感。

成本对于年轻设计师来说，依然是很大的问题，因为投入的限制，服装的实现程度肯定要受到影响，但是，这也并不仅仅是中国设计师面临的问题，在伦敦或者马德里，年轻的设计师被大品牌压迫得更为厉害，即使是一个仅有3000镑完成的时装秀，像Emma Cook这样的独立设计师一样也会调用全部的热情去完成。在中国，设计正在成为过于热门的话题，海外的关注也甚于以往，为了2008年在伦敦即将进行的CHINADEDIGNNOW的设计展，V＆A博物馆的策展人频繁往来与伦敦和中国之间，刚刚在荷兰进行的中国当代艺术展也加入了时装设计的部分。而事实是，中国的年轻设计师面临的最主要问题不是参与各种各样的艺术展览，而是他们如何在这个市场中生存下来，如何让更多的人了解自己的作品。毕竟，设计是与现实发生更密切的关系。